Na linha

O Artista: retorno às origens!

Filme The Artist (O Artista, no Brasil).

Quando recebeu o Oscar de melhor ator por seu trabalho no filme O Artista, no domingo passado, o francês Jean Dujardin explodiu: "Ouah putain"!  O assombro expressado na língua de Molière não era exclusivo dele, afinal é de fato surpreendente que um filme mudo, em preto e branco, tenha recebido 5 prêmios Oscar, incluído o de melhor filme. Mas para quem ama cinema clássico como eu, nem tanto. O site francês de cultura Evene fez uma matéria relacionando os filmes que inspiraram O Artista.  Quem quiser ler em francês, a matéria completa está aqui. Achei tão bacana que eu resolvi transpor alguns trechos para o meu blog, já que nem todo mundo lê em francês e NINGUÉM MERECE tradutor online. Fiz também uns links para os nomes dos filmes para facilitar a vida do leitor. Portanto, é cheia de boa-vontade (perdoem as falhas) que eu a transcrevo a partir de agora:

 

Da esquerda para a direita, Max Linder, Douglas Fairbanks, John Gilbert, Gene Kelly, em O Pirata e Fredric March em Nasce uma estrela.

Diversos astros podem ter inspirado a atuação de Jean Dujardin. Primeiramente, o elegante ator francês Max Linder e o herói saltitante Doublas Fairbanks, dois dos primeiro ídolos do cinema mundial.  Mas também o belo John Gilbert, que foi parceiro e amante de Greta Garbo e cuja carreira foi aniquilada pela chegada do filme falado, assim como a de George Valetin/Jean Dujardin em O Artista.  O gosto de Valentin pelo sapateado se inspira em Gene Kelly que, em O Pirata, de Minnelli, divertia-se em imitar...Douglas Fairbanks! Assim que ele afunda na decadência, seu personagem toma emprestado de modo impressionante o percurso e a fisionomia de Fredric March, na versão de 1937 de Nasce uma estrela.

As metamorfoses de Peppy Miller/Bérénice Bejo são espetaculares: primeiro, ela é a "flapper" dos anos loucos, jovem atrevida usando chapéu-sino, tal como a interpretou nas telas Joan Crawford, no início da sua carreira.  Depois, ela se torna a amante sensual, tal como encarnou diversas vezes Greta Garbo junto a John Gilbert, como no triunfal e escandaloso A carne e o diabo, de Clarence Brown. Posteriormente, ela se revela uma parceira de dança, à exemplo de Debbie Reynolds, interpretando precisamente uma "flapper", no fim dos anos 20, amante da estrela de cinema Gene Kelly em Dançando na chuva, que se trata inclusive de uma comédia sobre a chegada do filme falado à Hollywood.

Estréia de um filme à Hollywood

A admiradora Peppy encontra pela primeira vez o seu ídolo de cinema George Valentin em ocasião do grande lançamento do seu último filme.  É assim que começa a versão de 1954 de Nasce uma estrela, realizado por George Cukor; mas como se trata de um filme musical, é no palco, quando a cantora supostamente desconhecida Judy Garland se produz numa atração precedente à projeção, que o ator bêbado Norman Maine (James Mason) perturba o seu número, para o grande prazer do público de gala.

A criação de uma estrela

A estreante Peppy, graças ao apoio de Valetin, consegue fazer um teste em um grande estúdio em Hoolywood.  Para isso, ela precisa ser "repaginada" pelos cabelereiros e maquiadores do estúdio, exatamente como Janet Gaynor em Nasce uma estrela em 1937, dirigido por William A Wellman.  Esta cena será retomada em diversos filmes, como o remake de Cukor ou Assim estava escrito (The Bad and the Beautiful), de Vincent MInnelli. Havia já uma sequência similar em Show People, filme mudo de King Vidor, em 1928, com Marion Davies como uma figurante que sonhava se tornar estrela.

Bom, gente, no mais é ver a matéria original que traz vídeos bem explícitos, mesmo para quem não entende francês, e assistir todas essas maravilhas do cinema ou até rever,  no caso de quem tem ou teve o hábito, como eu, de frequentar mostras de filmes clássicos. Hoje é possível ver uma infinidade de filmes antigos pela internet (eu mesma revi vários dessa maneira). Aqui neste link um site da Associação dos Filmes Clássicos nos EUA, muito útil e cheio de informações. E aqui, um dos meus "top 10" filmes mudos no Youtube (mas eu vi no cinema mesmo), A Caixa de Pandora:

  

Figli/Hijos

 

 

Foto do filme Figli/Hijos (Filhos), de 2001, de Marco Bechis, sobre a ditadura argentina.

Há duas semanas assisti a um filme ítalo-argentino chamado Figli/Hijos (Filhos) sobre o qual eu gostaria de falar aqui desde então. Sobretudo porque ainda não tinha assistido os filmes anteriores de M\arco Bechis, que focaliza a sua obra na época que aqui no Brasil muita gente quer esquecer - a ditadura militar no seu pais (no caso, a Argentina).

Pois bem: duas notícias recentes lançaram os holofotes no assunto aqui no Brasil e fizeram com que eu me lembrasse de comentar o filme. Mas vamos às notícias. A primeira, publicada na agência de notícias da Câmara dos Deputados no dia 17 de março, dá conta de que "A Comissão da Verdade" será discutida em audiência pública. Já de cara fiquei atarantada com esse título - Comissão dos Arquivos da Ditadura, Comissão de Levantamento de Dados da Ditadura -, por exemplo, dariam conta do recado e seriam menos intimidadores. Se bem que, embora extremamente necessária a nossa democracia (para não dizer dignidade), não importa o batismo, a comissão enfrenta rejeições à esquerda e à direita. O objetivo da criação desta comissão, segundo o texto da proposta, é "esclarecer casos de violação de direitos humanos ocorridos no período da ditadura". 

 A outra foi a matéria do Eumano Silva, da revista Época, para a rádio CBN de hoje (1º de abril) dizendo que o General Heleno foi orientado pelo comandante do exército a não fazer o discurso que faria ontem (31 de março - data do estabelecimento do golpe militar em 1964) na tradicional data comemorativa do que os militares costumam chamar de "contra revolução" (sempre questão de nomes!), possivelmente, julga Eumano, porque a presidente Dilma é uma ex-torturada.

Pois agora vamos ao filme. A história é a seguinte: uma mulher dá à luz enquanto dois homens aguardam para levar o recém-nascido. Porém nasce um casal de gêmeos e a parteira consegue esconder a menina dentro da bolsa e sair com ela.  Vinte anos após, em Milão, na Itália, um rapaz chamado Javier é procurado por uma moça chamada Rosa, que diz ser sua irmã gêmea e que lhe conta que foram separados ao nascer. Para descobrir quem verdadeiramente é, ele topa viajar com a moça para Barcelona, onde irão se encontrar com a parteira e fazer um teste de DNA. A história ainda se complica mais um pouco, mas, afinal, Javier descobre a sua terrível história e a de seus pais.

 
Carlos Echevarria como Javier Ramos, em Filhos

Como toda a força do filme reside no que irá acontecer, eu não vou revelar essa parte da história, mas o que eu queria observar sobre esse corajoso filme e que diz respeito a nós igualmente é que:

1. Se esquecemos o passado embaixo do tapete, ocultamos, douramos ou simplesmente recriamos os fatos que aconteceram, não informamos as novas gerações o que houve, corremos o risco de que a história se repita. Ainda temos tempo de reconstruí-la em detalhes (pois temos remanescentes dos dois lados, muitos vivos e alguns inclusive no governo- e na presidência), mas a cada década vai ficando mais e mais difícil.

 

2.  Se não conhecermos a nossa história e ficarmos a par das nossas origens, corremos o risco de não saber quem somos.

 

CAST ARTISTICO
CARLOS ECHEVARRIA JULIA SARANO STEFANIA SANDRELLI ENRIQUE PIÑEYRO ANTONELLA COSTA EVITA CIRI DELIA CASEAUX MARCELO CHAPARRO ADRIAN FONDARI PABLO RAZUK ROMINA PAULA SANTIAGO TRAVERSO MONSERRAT ALCOVERRO BLANCA MARTINEZ		Javier Ramos Rosa Ruggeri Victoria Ramos Raul Ramos la partoriente la fidanzata di Javier l’ostetrica militare in borghese militare in borghese militare in divisa madre nel sogno padre nel sogno dottoressa impiegata

 

Alguém era perfeito!

 
Tony Curtis, ou Bernard Schwartz, nos anos 50, auge do sucesso da sua carreira

Senti uma pontada no coração quando li a notícia que Tony Curtis morreu ontem, aos 85 anos. A pontada deveu-se menos a ele entretanto - que acho que teve uma vida relativamente boa (só para mencionar um dado: em seus bons tempos, foi um dos que "andaram pegando" a Marilyn Monroe na tela e fora dela). Mas senti uma certa melancolia nostálgica por toda uma época da qual ele foi uma participante testemunha: a década a seguir à Segunda Guerra nos Estados Unidos (não que EU tenha vivenciado esse tempo, nasci bem depois, gente).

 
Cena do iate de Quanto mais quente melhor: Tony Curtis e Marilyn Monroe - na biografia que ele publicou há alguns anos contou que, além de usar um vestido transparente, Marilyn ainda tirou o tecido que deveria tapar seus seios.

Naquele tempo que eu considero a Belle Époque Americana, boa parte do mundo estava encantada com a cultura ianque: era jovial, vigorosa, concreta, engraçada, tudo o que, de alguma maneira, Tony Curtis representava. O cinema e a literatura americanos inspiravam outros artistas na Europa (vide meu post sobre o Nouveau Roman) e as grandes estrelas de Hollywood eram reconhecidas no mundo todo. Não sou historiadora e nem quero dar pitaco na seara dos outros, mas quem sabe essa época acabou com o tiro dado no presidente Kennedy em 63...fica esta questão a quem quiser palpitar por aqui.

No plano pessoal, também senti a perda do ator da comédia mais engraçada da história do cinema: Quanto mais quente melhor (Some like it hot), na qual ele atuou junto com Jack Lemmon e Marilyn, de um diretor judeu de origem austríaca que, para fugir de Hitler, mudou-se para os EUA, onde fez história no cinema. Eu sou verdadeiramente APAIXONADA por Billy Wilder, vi basicamente tudo de importante que ele fez e adoro esse filme engraçadíssimo com algumas das falas mais inteligentes da história da comédia, como essa cena final que pode ser vista aqui e inspirou o título deste post:

No livro Billy Wilder e o cinema inteligente (eu aluguei na biblioteca do Instituto Goethe do Rio, não precisa ser aluno para ficar sócio), Glenn Hopp revela duas curiosidades que podem se resumir nessa atração que os EUA exercia sobre os europeus. A primeira foi quando Billy Wilder chegou para morar nos Estados Unidos. Ele contou que nevava muito de manhã cedo e ele viu um garotinho que entregava jornais na vizinhança sendo levado pela mãe na limusine da família para cumprir seu serviço, pois ela ficou com pena de ver o filho andando na neve carregando os jornais...Wilder pensou "uau! Aqui eles entregam jornais em limusines!"

 

O livro de Glenn Hopp, publicado pela Taschen, está à venda em toda a parte.

A segunda história é sobre Marilyn Monroe, com quem ele adorava trabalhar. Ele disse que  NUNCA, nem uma só vez ela chegou pontualmente para filmar. Então Billy Wilder observou ao jornalista: "eu tenho uma tia na Áustria que é famosa na família pela sua extrema e inabalável pontualidade durante a vida toda. Mas quem quer ver a minha tia na tela do cinema?"

 

Mas voltando à Tony Curtis, o The New York Times publicou uma matéria bem completa sobre o ator que nasceu Bernard Schwartz em 3 de junho de 1925 e a sua carreira no cinema (e fora dela). Não sei quanto tempo fica no ar, mas a matéria pode ser lida aqui por enquanto.  Nela, o jornalista Dave Kehr destaca que Tony Curtis era mais do que um rostinho bonito: tinha realmente talento, um quê dramático, muito devido a uma infância dickenseniana (foi a expressão que Dave Kehr usou na matéria), no Bronx, em NY. Ele e o irmão vinham de uma família muito pobre, a mãe era esquizofrênica e batia nos meninos, os pais entregaram os filhos para o estado criar pois não tinham condições, depois ele perdeu o irmão atropelado por um caminhão e etc (eu mesma não li a tal biografia de Tony Curtis, mas já fiquei interessada...).

 
Todas cenas de Quanto mais quente...

Uma curiosidade que eu nunca tinha ouvido falar (provavelmente só eu!), é que Elvis Presley imitou o hairstyle de Tony Curtis, o topete negro (como muita gente pintou os cabelos de louros depois do sucesso da Marilyn, mas, convenhamos, ela era única).

 Aqui a cena como o rico herdeiro, conquistando "Sugar", a personagem de Marylin em Quanto mais quente...

 

 

 

Manoel de Oliveira e o cinema do invisível

"A arte consiste em fazer os outros sentir o que nós sentimos".

Fernando Pessoa

Um portal francês sobre cultura que eu assino há muito, o Evene.fr, acaba de publicar um perfil de Manoel de Oliveira, sensacional cineasta centenário - ele tem 102 anos de idade, em ocasião do Festival de Cannes 2010 (ele está na seção "Indie"de filmes do festival - Un certain regard - aos 102 anos, gente!). Então, em função desta lembrança, resolvi postar em homenagem a este cineasta que é um grande poeta, adoro seus filmes cheios de símbolos e personagens melancólicos.

Com seu neto e ator freqüente, Ricardo Trêpa, no Festival de Cannes 2010

A seguir, um resumo do excelente artigo de Julie de la Patellière para Evene.

Nascido em 1908 no tempo da monarquia, Manoel de Oliveira percorreu o século sabendo onde ir.  Transbordando energia, ele acaba de lançar o filme O estranho caso de Angélica em Cannes. Homem repleto de cultura clássica, ele rompe convenções em cada um de seus filmes, assinando assim um cinema atemporal. Encarnação de uma Portugal mística, barroca, conquistadora, salazarista, nostálgica, Oliveira cria um universo frio e elegante cheio de símbolos e índices perdidos.

Oliveira passou a infância no Norte de Portugal, em uma época de revoluções, em que era preciso se fechar atrás das janelas por conta das balas perdidas. Fiel a estas imagens, o cineasta iria posteriormente situar seus protagonistas no meio das mesmas salas ricamente decoradas, cobertas de azulejos azuis e interligadas por escadarias monumentais. A Portugal do diretor pertence a um outro século e o seu cinema traz dele estas marcas. Os empregados, freqüentemente mudos ou detentores de um segredo, têm o papel de alimento das tragédias racinianas, entre a confidência e o sacrifício. A evolução social não parece possível, pois todos têm um destino bem definido, uma posição simbólica a desempenhar no teatro do mundo.  Ao adaptar La Princesse de Clèves ou Le Soulier de Satin, o diretor português escolheu tratar de valores de um mundo esquecido - virgindade  das jovens, educação no convento, amores impossíveis, famílias inimigas, banimento pelo pai. Mas ele não realiza um retorno aos valores burgueses do século XIX, e sim àqueles do período clássico, próprio da aristocracia e do Ancian Régime.

 

Singularidades de uma rapariga loura: adaptação de um conto de Eça de Queirós, com Ricardo Trêpa e Catarina Wallenstein , de 2009

Dito isto, Manoel de Oliveira foge da reconstituição ilustrativa, sem tropeçar no cinema démodé. Inovador, ele assina o primeiro filme português em cores e filma, desde 1942, na rua, com atores não-profissionais. Pouco lhe interessa a verossimilhança. Ele transpassa seus filmes de uma variedade de anomalias para denunciar a falsidade fundamental da representação e dela se ver livre.

(e aqui eu paro com o resumo de Julie)

Filme Viagem ao princípio do mundo, de 1997, o último de Marcello Mastroianni, que morreu logo após as filmagens 

O que eu gostaria de dizer que me marcou mais sobre os filmes de Manoel de Oliveira (além do fato de que seus filmes não precisam ser legendados no Brasil - diferente de outros filmes portugueses - pois os atores falam com paciência, reverberando uma outra linguagem que não essa do "cotidiano" ridículo do suposto realismo novelesco televisivo que inunda o cinema de hoje) é justamente a lentidão de um cinema reflexivo. Se pudesse haver uma "prateleira" na videolocadora para ele poderia ser algo como "filmes de anti-ação", ou "filmes de anti-amor". Cada imagem é preciosa e, embora com significados muito diferentes, eu o posiciono no mesmo patamar de um Bergman, no sentido em que há uma preocupação em resgatar o humano, o sensível, ou como afirmou Julie de Patellière, trata-se do cinema do invisível.

Semana Modiano VII - Educação Sentimental

 Esta e todas as fotos deste post são fotos de divulgação retiradas do site Adoro Cinema.

 

 

No dia 25 de março de 2010, o jornal francês Le Libération fez uma edição especial apenas com escritores. Eles foram convocados para dar um ponto de vista diferente ao noticiário, e o jornal veiculou aqui uma gravação editada do que foi a reunião de pauta desse grupo que produziu o que foi chamado de "Libê dos escritores". Entre outros, fiquei surpresa não por encontrar o Patrick Modiano comentando o filme Educação, mas sim, por ler o nome de um dos meus (raros) prezados escritores brasileiros contemporâneos: o ótimo Bernardo Carvalho. Mas este caro romancista é papo para outros posts que não este, o último da minha Semana Modiano (que durou exatamente um mês e um dia para ser realizada, mas, ufa! foi muito prazerosa, já estou com saudades e espero que vocês fiquem também e procurem ler este autor logo, logo!).

 

Gostei tanto da crítica do Modiano (e como não?) e como o estudo do francês hoje em dia já não é tão popular e dignificante como outrora, resolvi tentar fazer um esforço de traduzir alguns trechos dela aqui neste post. Afinal, falei do Modiano ensaísta, romancista, entrevistador, roteirista e, agora, crítico de cinema.  O título do artigo dele foi

 

Educação Sentimental

(a seguir tradução livre minha)

 

 Cinema - 25/03/2010 à 00h00

Crítica

por PATRICK MODIANO

No subúrbio de Londres, uma jovem de 16 anos de família modesta se dedica a estudar para passar em uma prova para entrar em Oxford.  Um dia, ela está esperando um ônibus sob a chuva, quando um homem passando de carro lhe oferece carona.  Ele é mais velho que ela e nota-se imediatamente que se trata de um "tipo suspeito", como se diz normalmente.  Eles se reencontram e ela fará com ele a sua educação sentimental.  O filme é de uma dinamarquesa, Lone Scherfig.  A jovem é interpretada por uma atriz de 25 anos, Carey Mulligan, sobre quem se pode dizer desde já que vai longe.

 Carey Mullingan, em Educação 

Por que esse filme me causou uma impressão tão forte? Por que, na saída do cinema, eu fiquei tão absorvido, que quase fui atropelado ao atravessar a rua de Rennes por um carro que me parecia ser o Bristol vermelho escuro dirigido por David, esse sujeito suspeito com quem a heroína vive sua primeira história de amor?

O roteiro foi escrito pelo romancista Nick Hornby, baseado na narrativa autobiográfica da jornalista Lynn Barber.  Eis o que explica a precisão e a sutileza do filme.  Mas, de um modo mais íntimo, Educação me ligava por um fio Bickford com a minha própria adolescência.  A jovem tinha exatamente a minha idade.  Eu havia vivido situações parecidas às vividas pela Jenny, entrei, na mesma idade que ela, ao lado de companhias igualmente estranhas, em carros que traziam no vidro uma etiqueta em que estava escrito "Março de 1962".

Uma educação sentimental do inverno de 1962 não era tão diferente daquelas descritas dois séculos ou quarenta anos antes em Manon Lescaut ou O diabo no corpo.  Era a mesma sensação de ultrapassar o que era proibido e os tabus e de não levar em conta tudo o que era "ilegal" até a idade de 21 anos, a idade da maioridade. Marthe, a heroína de Diabo no corpo, poderia ter sido condenada por "corrupção de menor".  Do mesmo modo, David, do filme, esse rapaz sentimental de má-índole que Jenny acompanha às boates e hotéis proibidos aos menores de 21 anos - e que a leva alguns dias para Paris, em uma épooca em que era necessário uma autorização dos pais para atravessar a fronteira.

O filme me tocou porque eu passeei sozinho à noite por Londres em agosto de 1960, que me fascinava e me dava medo.  Uma Londres que não tinha ainda as cores vivas do "Swinging London", a Londres em preto e branco de Christine Keeler - uma outra jovem da minha idade - que acabava de desembarcar no subúrbio e tinha encontrado um emprego de garçonete em restaurante grego de Baker Street.

A Paris do inverno de 1962 também era para os adolescentes como a cidade complicada e noturna de Manon Lescaut.  Pessoas um pouco mais velhas que você poderiam ser seus intercessores, tomar-lhe sob seus cuidados, e lhe levar a lugares e situações que lhe eram proibidos por conta da idade.  Com certeza, ocorria que estes cúmplices, como o David do filme, não tinham muito sentido de moral, eles lhe proporcionavam um sentimento de liberdade, retirando você por alguns momentos da prisão que era nessa época toda adolescência.

No final do filme, supõe-se que a heroína guardará até mais tarde, do seu primeiro amor, a lembrança de um erro de juventude.  David não era um homem muito confiável. É verdade que uma adolescente ou um adolescente aventureiro e cheio de imaginação de 1962 não poderia se contentar com festas-surpresas tranqüilas e burguesas.  As mulheres e os homens um pouco mais velhos eram envoltos em mistério - ou, pelo menos, eram o que você atribuía a eles - , e eles faziam com que você entrasse por engano em um mundo que lhe parecia misterioso e até perigoso.

Por mais suspeitos, equivocados, por mais insignificantes que eles eram com freqüência na realidade, é preciso ter um pouco de ternura por aqueles sobre os quais você se pergunta que fim tiveram e que participaram da sua "educação" e do seu começo um tanto incerto na vida.

 

Rebecca - o filme inesquecível

Joan Fontaine como a segunda sra. de Winter e Judith Anderson, como a vilã sra. Danvers

"Graças à câmera, o público faz parte da cena e é preciso sobretudo que a câmera não se torne bruscamente distante e objetiva, sob pena de destruir a emoção que foi criada".

A. Hitchcock, em uma das entrevistas concedidas à Truffaut.

Meu filme escolhido para a blogagem coletiva do Fio de Ariadne é Rebecca - a mulher inesquecível, vencedor do Oscar de 1941, de Alfred Hitchcock.

Rebecca é o primeiro filme da fase americana de Hitchcock e era uma adaptação do romance homônimo de Daphne du Maurier de 1938. Laurence Oliver é Maxim de Winter, Joan Fontaine a segunda esposa (nunca nomeada) e Judith Anderson a governanta, Sra. Danvers.

A heroína (Fontaine), uma moça simples que trabalha como acompanhante de uma milionária, conhece e se apaixona pelo viúvo não menos milionário Maxim de Winter, com quem se casa. Ao chegar à mansão onde ele mora, passa a ser assombrada pela lembrança da primeira esposa dele, Rebecca de Winter, cuja presença é mantida viva pela governanta que a idolatra, sra. Danvers.

O filme concorreu em 1941 em onze categorias no Oscar e abriu o primeiro Festival de Cinema de Berlim.

 

Vejo nele toda a arte de Hitchcock em película e luz. Não li a história original ainda, mas parece que tratava-se de um romance gótico bem típico, sobre o qual o mestre do suspense transformou num thriller psicológico. Vejo ali também a típica "eloqüência visual" tão característica de seus filmes(obs: sei que não há mais trema, mas me recuso a parar de usá-la) . Cada objeto em cena, uma sombra, uma certa iluminação no rosto dos personagens, um detalhe da roupa, uma expressão corporal específica, um leve entreabrir de lábios - é um teatro magnificado, minuncioso, detalhista. Como se pudéssemos viver com lupas em frente aos olhos. Nada escapa a ele. Os filmes de Hitchcock valem sempre à pena de serem revistos por causa dessa riqueza de detalhes. Não à toa ele optou pelo suspense - que capta a emoção - em detrimento do mistério - menos profundo, mais ligado à razão.

No livro Hitchcock Truffaut - Entrevistas, Hitchcock afirma que ter feito um thriller como Rebecca contribuiu muito para que ele acrescentasse o terror psicológico em seus filmes posteriores. Em síntese, o filme teria diversos elementos que se tornaram característicos do diretor britânico: a contraposição entre a vítima e o carrasco (por exemplo, um recurso usado por Hitchcock é que a Sra. Danvers nunca aparece caminhando. Todas as vezes que a sra. de Winter chega a um cômodo, ela já está lá, parada, pois caso ela aparecesse caminhando, isso a teria humanizado). Depois, a casa, isolada, como em Os Pássaros. Aqui, Hitchcock revelou à Truffaut que foi uma necessidade - tratava-se de uma história que se passa da Inglaterra e o filme foi rodado nos Estados Unidos. Porém o fato de isolar a casa também seria um recurso para torná-la mais aterrorizante.

O filme é, na verdade, como um conto de fadas. A jovem sra. de Winter é a Cinderella e a sra. Danvers, a irmã malvada.

A marca de Hitchcock: os rostos iluminados de baixo para cima. Aqui, nessa cena, há o detalhe curioso - a luz vazada no olhar da governanta, de modo a torná-la ainda mais assustadora.

O jogo de luz e sombras no quarto de Rebecca, enorme, como se fosse um templo de uma Deusa morta, onde a governanta guarda todos os objetos da falecida com insuperável zelo mórbido. A cena da camisola é, por exemplo, bastante marcante, em que se nota as propensões lésbicas da sra. Danvers.

 

 

^{Hitchcock conta que a opção de fazer teste com grandes estrelas de Hollywood para o papel era uma estratégia de marketing que o deixava constrangido, pois sabia que a maioria nunca poderia ser Rebecca. A escolha de Joan Fontaine foi importantíssima para o papel, ele conta que ela tinha a fragilidade necessária para o papel, física e emocionalmente.}

 

 

^{Aqui, Hitchcock aparece em uma das cenas finais, em que o primo de Rebecca telefona à sra. Danvers. Ele conta que começou a aparecer nos próprios filmes por necessidade (para fazer figuração), mas que depois, o hábito tornou-se uma espécie de superstição. Entretanto, nos filmes posteriores, ele passou a aparecer logo nos primeiros cinco minutos de filme, para não confundir o público no acompanhamento da história.}

^{Bem, em resumo, recomendo não apenas que vejam - ou revejam - o filme - como também que leiam esse livro. Eu tenho a edição de 1986, da Brasiliense, mas soube que a Cia. das Letras o relançou em 2008.Aqui o link da Livraria da Folha para o livro.}

 

 

 

A mãe de Natasha Richardson no Bafta

Carey Mulligan and Colin Firth, melhor atriz por An Education (Educação) e melhor ator por A single man (Direito de amar)

Picture: MARTIN POPE

Já que comecei a falar de filmes e etc, vamos continuar na mesma linha, com o Bafta. Normalmente não gosto de comentar sobre esse tipo de premiação, por total incapacidade, mas queria deixar o registro, caso escape à alguém da premiação concedida à Vanessa Redgrave pela sua obra. Vanessa, que é mãe da inesquecível atriz  Natasha Richardson, falecida no ano passado, concedeu uma entrevista excelente ao Daily Telegraph,antes de ir ao Bafta receber o prêmio, acompanhada do filho Carlo Nero (diretor e roteirista) e da filha Joely Richardson (também atriz).

Veja a entrevista aqui.

Na foto abaixo, Vanessa cumprimentando e sendo cumprimentada pelo novo presidente da academia britânica, príncipe William.

Observada por Uma Thurman, ela disse ao príncipe:

"Eu gostaria de dizer, Vossa Realeza, o quanto eu admiro o seu pai pela sua inteligência, humildade e delicadeza".

 

Aqui, Vanessa ovacionada pelo público em momento emocionante.

Veja a galeria de fotos do Bafta aqui no Daily Telegraph.

Veja a matéria aqui.

Lista dos premiados no Bafta 2010:

:: Best Film

The Hurt Locker

:: Leading Actor

Colin Firth (A Single Man)

:: Leading Actress

Carey Mulligan (An Education)

:: Supporting Actor

Christoph Waltz (Inglourious Basterds)

:: Supporting Actress

Mo'Nique (Precious)

:: Outstanding British Film

Fish Tank

:: Outstanding debut by a British writer, director or producer

Duncan Jones (director - Moon)

:: Director

Kathryn Bigelow (The Hurt Locker)

:: Original Screenplay

The Hurt Locker (Mark Boal)

:: Adapted Screenplay

Up In The Air (Jason Reitman, Sheldon Turner)

:: Film not in the English language

A Prophet

:: Animated Film

Up

:: Music

Up (Michael Giacchino)

:: Cinematography

The Hurt Locker

:: Editing

The Hurt Locker

:: Production design

Avatar

:: Costume Design

The Young Victoria

:: Sound

The Hurt Locker

:: Special visual effects

Avatar

:: Make-up & hair

The Young Victoria

:: Short animation

Mother of Many

:: Short film

I Do Air

:: The Orange Rising Star Award (voted for by the public, nominations announced earlier this month)

Kristen Stewart

A nova Jane Eyre - 2011

Ao que tudo indica, e conforme a Variety anunciou em novembro passado, a nova Jane Eyre será mesmo Mia Wasikowska, que fez a Alice in Wonderland do Tim Burton.

 

 

E o novo Edward Rochester foi confirmado como Michael Fassbender, o ator meio irlandês, meio alemão, que fez Hunger, do Steve McQueen (trabalho que rendeu à Michael o prêmio da British Independent Film Awards).

 

A produção pertence à BBC e deve ser lançada em 2011. 

O diretor é o jovem e talentoso Cary Joji Fukunaga, premiado em 2009 no Festival de Filmes de Sundance pelo filme Sin nombre.

Jane Eyre - 2006

Esta adaptação de Jane Eyre foi exibida pela primeira vez em setembro de 2006, pela BBC One, em quatro episódios. O cast é formado por Ruth Wilson (Jane Eyre), Toby Stephens (Rochester), Lorraine Ashbourne (Sra. Fairfax), Tara Fitzgerald (Sra. Reed), Christina Cole (Blanche Ingram), Claudia Coulter (Bertha), Georgie Henley (Jane criança), Hester Odgers (Helen Burns), entre outros.  A direção é de Susanna White, vencedora de dois prêmios (BAFTA e Gracie Allen) e indicada ao Emmy por este trabalho.

Sobre a versão, a minha opinião geral é positiva. Mas, como eu havia ACABADO de assistir à versão do Orson Welles, fiquei chocada com as semelhanças (inclusive copiando aquelas soluções que eu considero mal-resolvidas na versão de 1944).  Em primeiro lugar, as primeira e segunda partes têm idênticos cortes no roteiro, inclusive com a cena da Jane menina sobre o banco em Lowood na frente de todos, com um plano geral de cima para baixo da escola, a mesma superficialidade na relação entre Jane e Helen (que saudades de Louis Malle, nesse aspecto, que sabia explorar tão bem essas nuances no espírito de uma criança!), a mesma velocidade em colocar Jane já plantada em Thornfield.

As atuações de Toby Stephens como Rochester e Ruth Wilson, como Jane Eyre, estão excelentes. Porém nota-se um Edward Rochester muito mais atormentado por um Orson Welles do que pela Bertha.  Ele não conseguiu escapar da versão de 44 também na construção do personagem, fazendo um Rochester pesado demais, rude demais, gótico demais, assim como o do Orson Welles.  Discutiu-se que Toby Stephens seria bonito demais para o papel. Pode ser, mas como a Ruth Wilson também é bonita demais para Jane Eyre, acho que fica na mesma. O fato é que os dois combinam muito bem na tensão necessária (de forte apelo sexual) entre Jane Eyre e Edward Rochester.

Aliás, essa estratégia de cair do cavalo, torcer o tornozelo etc deveria ser uma espécie de opção romanesca do século XIX (lembram-se de Marianne Dashwood em Razão e Sensibilidade, quando conhece Willoughby?) para construir uma relação de enorme atração recíproca.

Porém o forte da minissérie é mesmo o final, que é bem mais fiel ao livro do que a versão de 1944, por exemplo. Recomendo com ênfase aos leitores do romance que assistam essa versão e que cada um tire sua conclusão.

 Detalhe final: algumas outras versões de Jane Eyre:

1. 1934, com Colin Clive e Virginia Bruce nos papéis principais. 

2. Com Sorcha Cusack e Michael Jayston, versão de 1973 da BBC.

 

3. Versão de 1997, com Samantha Morton e Ciarán Hinds. 

4.  Outra versão da BBC em dez episódios, de 1983, com Zelah Clarke e Timothy (007) Dalton

5. Versão de 1996, do Zeffirelli, com Charlotte Gainsbourg e William Hurt. 

  

 

Jane Eyre - 1944

Para que serve o Carnaval, senão para botarmos os clássicos em dia? Como havia acabado a leitura de Jane Eyre, de Charlotte Brontë, em janeiro para o grupo de leitura Chá com Jane Austen, resolvi assistir às versões do filme (pelo menos a de 1944, com o Orson Welles, e a de 2006, da BBC). Vou pular a de 1996, do Zeffirelli, com William Hurt (ui!) no papel de Rochester.

E, como boa capricorniana, dedico um post a cada versão. Começando pela de 1944, "a do Orson Welles", como é mais conhecida. A produção da Fox tinha como roteiristas (oficiais) John Houseman, Aldous Huxley, Henry Koster e Robert Stevenson. Este último, também era o diretor. Consta porém que Orson Welles palpitou tanto que houve dúvidas em como creditá-lo (o estúdio ofereceu o título de "co-produtor", mas ele recusou), segundo o release deste John Puccio que vos copio no original aqui. É dele também a informação que me deixou de queixo caído, porém não tão surpresa, de que há nada menos que 18 adaptações de Jane Eyre (só me restam 15 para assistir, já que, como eu disse, vou pular a do Zeffirelli). Êta livro bom! Porém vou discordar da opinião dele (e de muitos outros) de que essa seja a melhor versão de Jane Eyre já feita. Só quem nunca leu o livro na íntegra (convenhamos, muita gente pára no meio e vai assistir às "versões") pode achar isso. Talvez seja a menos pior.

O cast era o seguinte: Joan Fontaine (Jane Eyre), Orson Welles (Rochester), Peggy Ann Garner (Jane criança), Elizabeth Taylor (Helen Burns), Agnes Moorehead (Sra. Reed), Margaret O'Brien (Adele), Henry Daniell (Brocklehurst), Hillary Brooke (Blanche Ingram).

Mas vamos ao filme e seus problemas:

Primeiro de todos: não, eu não achei o Orson Welles perfeito para o papel de Edward Rochester (saca a foto à esquerda). Acho que ele encaixava-se facilmente em muitos papéis de homens másculos e diabólicos. Mas, em primeiro lugar, ele não tinha o physique du rôle daquele que é, possivelmente, um dos mais (senão o mais) sensuais personagens masculinos da literatura do século XIX. 

Independente do aspecto mitológico/simbólico, aquela cena em que Rochester aparece no romance é um exemplo do aspecto sensual do personagem. Vide o seu duplo (um cão enorme) e a visão que antecede a sua aparição real:

"It was exactly one mask of Bessie's Gytrash - a lion-like creature with long hair and a huge haid: it passade me, however, quietly enough; not staying to look up, with strange pretercanine eyes, in my face, as I half expected it would" (aqui falando do cão), e "The horse followed - a tall steed, and on its back a rider. The man, the human being, broke the spell at once", (falando do Rochester).

Esse primeiro encontro, como eu já havia comentado no meu post sobre o livro, parece uma luta corporal, e antecipa muito do que irá acontecer na relação entre eles.

 

O segundo problema do Orson Welles, para mim, está na medida da atuação. Talvez Edward Rochester seja o único personagem realmente irônico em todo o livro. O aspecto trágico da vida dele é de certa maneira aliviado por uma excentricidade que reflete a ironia bastante cáustica de Charlotte Brontë. Mas que dá muito sabor ao livro e, como Jane é a única que de fato "responde" a esta ironia, o efeito é de uma troca de farpas saborosamente eletrizante entre eles. Já o Rochester do Orson Welles é muito pesado para causar este efeito, porém pareceu-me que serviu de base para o Rochester de Toby Stephens (BBC, 2006), como aliás muita coisa deste filme serviu de base a esta última versão da BBC.

Deve-se entretanto à presença de Welles no filme muito da força dele.  Há extras no DVD tentando descobrir o que ele de fato teria feito.  Por exemplo, algumas tomadas tipicamente de Orson Welles, como as tomadas de abertura, o contraste de preto e branco da fotografia, o constante uso de silhuetas, a tendência para tomadas longas e amplas em espaços fechados, a câmera distorcendo o tamanho real dos objetos, etc.  Há também algumas características tipicamente Welleseanas no roteiro, como alguns personagens falando sobre Rochester muito antes de ele aparecer.

Porém o roteiro, a meu ver, foi muito sacrificado (coisa normal em adaptações), tendo a primeira parte consumido uns cinco minutos e reduzido a importância da srta. Temple, figura fundamental na formação da futura Jane Eyre, a zero, além de localizar toda a amizade entre Jane e Hellen Burns (interpretada por uma lindíssima Elizabeth Taylor criança) em uma troca de brincadeiras, enquanto Hellen será uma presença marcante da personalidade de Jane para toda a vida.

As fortes qualidades do filme, a meu ver, estão, além do "dedo" de Orson Welles na produção, na presença da própria Joan Fontaine como Jane Eyre (embora talvez um pouco bonita demais para o papel, mas com uma atuação que ressalta muito da força interior da personagem) e na incrível menina que faz a Jane criança, Peggy Ann Garner.

No geral, acho que a intenção era fazer um filme gótico que respeitasse o mesmo conceito de Rebecca (1940), de Hitchcock, que ganhou dois Oscar, inclusive de melhor filme, e foi nomeado para outros 11. Foi convocada a mesma atriz (Joan Fontaine), utilizada a mesma narração (pela própria Fontaine), o mesmo cinegrafista (George Barnes) de Rebecca e nota-se bastante do clima de thriller gótico tanto no uso do forte contraste entre sombras e luz, a casa (ou castelo) com as portas batendo, o ruído do vento semelhante a sussurros e por aí vai.

Mas, acho que vale como registro histórico e para os fãs de Orson Welles.